Es spiegelt meine eigene persönliche und subjektive Perspektive und Realität als Künstler der abstrakten Kunst wider, mit spezifischen Verweisen auf Fakten, die mit dem übereinstimmen, was ich über die Natur, die Geburt, das Wachstum und die Entwicklung der abstrakten Kunst außerhalb der Grenzen glaube. Ein esoterischer Begriff in der Kunstwissenschaft.
Um eine grundlegende, grundlegende Sicht auf das Thema zu haben, müssen wir, bevor wir uns mit unserem Verständnis von “abstrakter Kunst” selbst befassen, zuerst verstehen, was wir mit dem Wort abstrakt meinen. Und wir lernen Abstraktion in diesem Sinne, mit Verben, die extrahieren oder entfernen bedeuten, und überraschenderweise Adjektiven, die nicht so leicht zu verstehen bedeuten. abstrus. Und als transitives Verb bedeutet es wegnehmen oder entfernen. Seine Etymologie kommt von dem abstrakten Wort „wegziehen“ oder „wegziehen“.
Daher ist die abstrakte kunst, das Produkt eines sehr natürlichen, ungezügelten und ungeplanten Impulses ohne äußere Reize, inhärent und gehört zur grundlegenden Natur und Beschaffenheit des Künstlers als der wahre Einfluss hinter seinen Kreationen.
Daraus können wir schließen, dass die Abstraktion allgemein als eine Kunstform angesehen wird, die nichts darstellt, was der objektiven oder materiellen Welt ähnelt. Stattdessen war es ein sehr subjektiver Ausdruck einer neuen Schöpfung, die die innere Welt und den Geist des Künstlers zum Ausdruck brachte, oft durch eine tiefe Spontaneität, die die innere Welt des Künstlers zum Vorschein brachte. Als ich mich durch meine eigene Ausdruckskunst weiterentwickelte und mir der Kunstgeschichte bewusster wurde, lernte ich, dass die abstrakte Kunst ihre Wurzeln in den Anfängen der Menschheitsgeschichte hat, als Menschen begannen, Höhlenwände zu malen. Diese frühen abstrakten Kunstwerke, abstrakten Zeichnungen und abstrakten Gemälde (manchmal mit organischen Farbstoffen geschmückt) versuchten oft, eher die Natur und Qualität von Objekten als ihr tatsächliches Erscheinungsbild einzufangen.
Als Kunsthistoriker und Kunstkritiker ihre Meinungen und Ideen in gedruckter Form formulierten, trennten esoterischere Begriffe das Thema in „nicht-gegenständliche Kunst“, „nicht-figurative Kunst“ und „nicht-figurative Kunst“. Da die auf dem Gebiet der Ästhetik geschaffenen Prinzipien der Kunst nicht genau formuliert sind, wird dieses spezielle geisteswissenschaftliche Gebiet von Kritikern mit vielen Schulen unterschiedlicher Meinungen und Gedanken überschwemmt, stattdessen werden esoterische Vorträge und Meinungen beachtet. Persönliche Vernunftäußerungen leiden unter einer Wolke der Verwirrung.
Lange bevor der abstrakte Expressionismus geboren wurde, existierte im Osten oder in der islamischen Kultur eine stark figurative Kunst. Als Kunst der Handschrift wird sie in den Erwerb und die Entwicklung von Fähigkeiten der Schüler in Kalligrafie eingesetzt.
In der Kultur finden sich abstrakte Designs in vielen Formen. Die abstrakte Kunst unterscheidet sich jedoch in ihrer Kompositionsform eindeutig von der dekorativen Kunst und der bildenden Kunst. In der abstrakten Kunst ist das kreative Ergebnis eine spontane Momentaufnahme der Gedanken, Gefühle und Reflexionen des Künstlers, die abstrakte Kunstwerke schaffen.
Der Abstrakte Expressionismus, wie wir ihn heute kennen, entstand Mitte des 20. Jahrhunderts nach einer groß angelegten Emigration von Avantgarde-Künstlern, um die Stadt zum Zentrum der Kunstszene zu machen. Ein Titel, der von Paris gehalten wird. Zeitgenössische Künstler wurden von diesem neuen Zustrom von Talenten tiefgreifend beeinflusst, der viel willkommene Freiheit des persönlichen Ausdrucks durch Spontaneität gebracht hat, wo es keine Grenzen und Beschränkungen traditioneller Formen gibt.
Das Aufkommen des Abstrakten Expressionismus markierte den Beginn einer neuen, friedlichen künstlerischen Revolution, in der Künstler begannen, sich offen gegen den Status quo aufzulehnen. Er leitete eine neue Ära ein, in der es frei war, die Zukunft zu gestalten und das bestehende Spiel für eine bessere Zukunft zu verändern. Auf der organisierteren Seite begann Jackson Pollock, seine Staffelei neu zu arrangieren und seine Gemälde nach seinen Wünschen zu malen. Er drückte sich aus, indem er Farbe von innen auf die Leinwand goss, wie er es fühlte. Als einer der selbstbewusstesten Männer seiner Zeit nutzte Pollock auch seinen eigenen Körper als Malwerkzeug. Er malte den Betrachter, der sich schnell um eine große Leinwand auf dem Boden bewegte und verschachtelte Farbmuster in einer emotionalen Achterbahn verstreute. In den Fluss seiner rhythmischen Bewegung, in scheinbar unendlichen Raum.